Charles „Charlie“ Robert Watts, geboren am 2. Juni 1941 in Kingsbury, Middlesex, ist heute 80-jährig, am 24. August 2021 in London gestorben. Charlie Watts war mit Erscheinen der Beat- und Bluesrock-Band The Rolling Stones ein Weltstar als Schlagzeuger. Er spielte von Kindheit an Musik, besonders Schlagzeug, bevorzugt Jazz.
Watts war seit 1964 verheiratet und hinterlässt Frau Shirley, Tochter und Enkelin.
Eine im Jahr 2004 ernsthaft therapierte Kehlkopf-Krebs-Erkrankung erlaubte nachdem eine letzte Original-Studioproduktion eines Rolling Stones Albums mitzuspielen sowie anschließend eine zwei Jahre dauernde Stones-Open-Air-Welt-Tournee in den größten Sport-Stadien mitzuspielen.
Watts lebte in Dolton, einem bescheidenem Dorf in West-Devon, wo er zusammen mit seiner Frau eine Zuchtfarm mit Araber-Pferden besaß. Charlie Watts hinterließ – als studierter Grafiker und Zeichner nebenbei eine eigene Produktion von Grafik und Zeichnungen, die auch auf Schallplatten-Covers abgebildet wurden z. B. auf >Between the Buttons: „all sold out“< oder >Jamming with Edward: the by-Edward-Smile<. Ferner war Watts prozentual Teilhaber verschiedener Rolling Stones-Musik-Gesellschaften. Watts hielt Verwertungsrechte als Schlagzeuger, als Arrangeur, als Komponist, Verleger und Musik-Produktionsmanagement.
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Neben den sämtlichen Musikproduktionen und Studioaufnahmen der Rolling Stones mit der DECCA/EMI seit 1962 Langspielplatten bzw. Alben im weltweiten Vertrieb (in Varianten) – von
Rolling Stones
Around and Around
Rolling Stones No. 2
High Tide and green Grasses
Out of our Heads
Aftermath
Rolling Stones Live – GOT LIVE if you want it
Between the Buttons
Their majesties Request
Beggars Banquet
Get yer YAYAs out Live
Let it Bleed
seit 1970 mit dem eigenen Lable „RollingStonesRecords“ bei verschiedenen Majors wie EMI, Sony, Warners u. a.
Sticky Fingers
Exile of Main Street
Goats Head Soup
Its only Rock ’n‘ Roll
Black and Blue
Some Girls
Emotional Rescue
Undercover of the night
Love you Live
Tattoo You
Steel wheels
Dirty Work
Voodoo Lounge
Bridges to Babylon
A Bigger Bang
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ferner diverse
Charlie Watts hat Jahrzehnte lang neben der Stones-Musik eigene Session-Formationen initiiert, die Jazz spielten, so als Musik-Studio-Alben publiziert:
The Charlie Watts Orchestra – Live at Fullham Town Hall (1986, Columbia Records)
The Charlie Watts Quintet – From One Charlie (1991, Continuum Records)
The Charlie Watts Quintet – A Tribute to Charlie Parker with Strings (1992, Continuum Records)
The Charlie Watts Quintet – Warm and Tender (1993, Continuum Records)
The Charlie Watts Quintet – Long Ago and Far Away (1996, Virgin Records)
The Charlie Watts-Jim Keltner Project (2000, Cyber Octave Records)
The Charlie Watts Tentet – Watts at Scott’s (2004, Sanctuary Records)
The ABC&D of Boogie Woogie – The Magic of Boogie Woogie (2010, Vagabond Records)
The ABC&D of Boogie Woogie – Live in Paris (2012, Eagle Records)
Charlie Watts meets the Danish Radio Big Band (Live at the Danish Radio Concert Hall, Copenhagen 2010) (2017, Impulse! Records)
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Dietmar Moews meint: Karl Valentin sagte, „die Problematik bei Prognosen liegt in der Zukunft“ – so war es jetzt auch mit der Todesnachricht des beliebten Musikers Charlie Watts, der mein Leben intensiv begleitet hat. Nach Brian Jones, Ian Stewart, Bobby Keys, Nicky Hopkins, senken sich die Lebensbögen der Rolling Stones weiter – Charlie Watts war nun dran.
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Mike Mitchell, founding member and guitarist for the “Louie Louie” hitmakers the kingsmen, geboren 1943 in Portland Oregon USA died Friday – 17. April 2021 – on his 77th birthday.
In 1957, Lynn Easton invited Jack Ely to play with him at a Portland Hotel gig, with Ely singing and playing guitar and Easton on the drum kit. The two teenagers had grown up together, as their parents were close friends. Easton and Ely performed at local parties and events, and soon added Mike Mitchell on guitar and Bob Nordby on bass to round out the band. They called themselves the Kingsmen, taking the name from a recently disbanded group.
zitiert nach Magazin ROLLING STONE:
The Kingsmen began their collective career playing at fashion shows, Red Cross Red Cross events, and supermarket promotions, generally avoiding rock songs on their setlist. In 1962, Don Gallucci, a high school freshman at the time, was recruited from another local group, the Royal Notes, to play keyboards.
Kingsmen drummer Dick Peterson confirmed Mitchell’s death to Rolling Stone in a statement. No cause of death was provided other than Mitchell “peacefully passed away.”
“We are deeply saddened by Mike’s passing. He was the kindest and most generous man on the planet,” Peterson, a Kingsmen since 1963, said in a statement, “For the past 57 years, we have been playing colleges, fairs, and festivals, vintage car shows and rock n’ roll shows throughout the USA. Mike is irreplaceable, and he will be greatly missed not only by us but the fans as well. Mike was a favorite for his comedic nature as well as his musicianship.”
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Guitarist Joe Walsh said of Mitchell, who delivers the iconic guitar solo on “Louie Louie,” in a statement, “My sincere condolences. I learned to play the guitar because of Mike Mitchell. I know every one of his solos, mistakes and all. We’re losing the good guys.”
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Mitchell was the lone remaining founding member still in the Kingsmen, who formed in Portland, Oregon in 1959, four years before the garage band scored an unlikely hit with their loose rendition of Richard Berry’s 1957 song “Louie Louie.” The song spent six nonconsecutive weeks at Number Two on the Hot 100.
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“A blast of raw guitars and half-intelligible shouting recorded for $52, the Kingsmen’s cover of Richard Berry’s R&B song hit Number Two in 1963 — thanks in part to supposedly pornographic lyrics that drew the attention of the FBI,” Rolling Stone wrote of “Louie Louie” for the 500 Greatest Songs of All Time list, where it placed No, 55.
“The Portland, Oregon, group accidentally rendered the decidedly noncontroversial lyrics (about a sailor trying to get home to see his lady) indecipherable by crowding around a single microphone.” The single was so indecipherable that it was banned in Indiana and investigated by the FBI over its allegedly obscene lyrics. The FBI eventually deemed the song “unintelligible at any speed.” “When ‘Louie Louie’ was banned in Indiana back in 1964 by then-Governor Walsh, every kid had to have a copy, and the record took off like wildfire across the country!“
“I always thought the controversy was record-company hype,” then-Kingsmen singer Jack Ely, who died in 2015, told Rolling Stone. Peterson added in his statement Saturday, “When ‘Louie Louie’ was banned in Indiana back in 1964 by then-Governor Walsh, every kid had to have a copy, and the record took off like wildfire across the country!”
The Kinks, The Beach Boys, Jan and Dean, the Troggs, the Sonics, the Beatles, Tom petty, Mothers of Invention, Motörhead, Black Flag and Iggy Pop would all later record covers of “Louie Louie,” one of rock’s most influential songs.
While the founding members of the Kingsmen would split by 1963 — Ely (who formed another The Kingsmen, leading to a legal battle over the band’s name) and bassist Bob Nordby both departed before “Louie Louie” became a hit — Mitchell would remain the band’s guitarist for the next 62 years.
With varying Kingsmen lineups, Mitchell recorded six albums between 1963 and 1966, and although the band are often considered “one-hit wonders” due to the success of “Louie Louie,” they actually released a string of successful singles in the early half of the Sixties, including covers of “Little Latin Lupe Lu,” “Money (That’s What I Want)” and the novelty hit “Jolly Green Giant.”
the kingsmen spielt noch heute als US-BAND, längst mit zahlreichen jüngeren Musikern. Die Originalstudioaufnahme wird in A Dur, D Dur E moll gespielt und wurde 1963 in Portland aufgenommen; es behandelt eine Marinesoldaten-Lovestory.
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Dietmar Moews meint: Mit meinem Erwachen als Beatmusiker spielte ich Louie Louie, kannte die Bedeutung des Textes nicht, dachte, es sei von Chuck Berry, es ist aber von Richard Berry (kannte keiner), und wir glaubten der Song sei von den Londoner The KINKS bekannt, verwechselten wir mit kingsmen, aus Portland, und alle, die ich kannte, spielten LOUIE LOUIE in drei Dur-Akkorden, während der dritte Akkord im Original als Moll ertönen müsste (wie auf allen bekannten Plattenaufnahmen) – aber keiner bemerkte den kleinen Unterschied, Hauptsache: We gotta go.
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Armando Anthony „Chick“ Corea wurde am 12. Juni 1941 in Chelsea, Massachusetts, USA, geboren und ist jetzt 79-jährig, am 7. Februar 2021, in Tampa, Florida, USA, infolge einer langjährigen Krebserkrankung gestorben. Chick Corea war ein us-amerikanischer virtuos musikantischer Keyboard-Virtuose, Kompositeur und Band-Musiker der außergewöhnlichen Stilistik des Rock und Jazz-Rock, mit höchsten Auszeichnungen der westlichen Musikindustrie (67 Grammy-Nominierungen, 23 Grammy-Preisen).
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Chick Coreas Vater war Bandleader und bildete den kleinen Sohn am Klavier aus – Jazz und Klassik – bereits 1966 wurde Chick Corea mit ersten Einspielungen von Studio-Bandaufnahmen in der Jazz-Szene bekannt und wurde ab 1968 ein internationaler Keyboard-Star, der mit den Größen der zweiten Hälfte des 20sten Jahrhunderts konzertierte und Studioaufnahmen einspielte.
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Eines der bekanntesten und besten und meistgecoverten Jazz-Rockstücke des Chick Corea ist SPAIN, das in vielen varianten Besetzungen ein Höhepunkt von internationalen Festivals war – ob mit einer eigenen Combo oder im Duo mit Bobby Mc Ferrin
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Chick Corea hatte seit Ende der 1980er Jahre Verträge mit der Scientology Kirche des Amerikaners Ron Hubbard, wofür Corea auf seinen Schallplatten und bei seinen Live-Auftritten Werbung betrieb. Daraus ist zu schließen, dass Corea unterhalb der intellektuellen Höhe jenes Hubbard gebildet war bzw. und viel Geld an die Scientology bezahlt hat
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Larry King wurde als Lawrence Harvey Zeiger am 19. November 1933 in Brooklyn, NY. geboren und ist jetzt 87-jährig, am 23. Januar 2021, in Los Angeles, Kalifornien, an Corona gestorben. Larry King war ein weltbekannter us-amerikanischer Fernseh-Unterhaltungs-Prominenter.
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Larry King war 8 Mal verheiratet und hatte viele Kinder. Er starb schließlich an vielfältigen Schwächungen, wie Schlaganfall bzw. Herzinfarkt, aber zuletzt nach Covid-19-Behandlungen in einem jüdischen Krankenhaus in Los Angeles, nachdem er sich selbst entlassen hatte.
In fünf Jahrzehnten hat Larry King mit schätzungsweise 50.000 Menschen aus allen Gesellschaftsschichten geplaudert, von Präsidenten und Pandits bis hin zu Betrügern und UFO-„Experten“.
Larry King erschien auf den Bildschirmen in der Dekoration an seinem Schreibtisch sitzend, links davon war eine Sitzgelegenheit, wo sich die hinzukommenden Talk-Gäste ins Bild setzten. Die CNN-Interviewsendung „Larry King Live“, die 25 Jahre lang lief, war die einschaltquotenstärkste Sendung dieses Kabelsenders.
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Nach New York Times.com, vom 23. Januar 2021, von dem Pulitzer-Preisträger Robert D. McFadden glänzend geschrieben, zitiere ich hier den Nachruftext:
„… King wurde als Sohn einer jüdischen Einwandererfamilie
geboren, sein Vater war Österreicher und seine Mutter stammte ursprünglich aus Weißrussland. Als er neun Jahre alt war, starb sein Vater. Seine Mutter arbeitete dann als Näherin in „Sweatshops“ in New York. Die Familie war auf Sozialhilfe angewiesen. King besuchte nie ein College – nach dem schlechten Abschluss der High School schlug er sich zunächst als Gelegenheitsarbeiter durch. Mit 22 Jahren zog King von Brooklyn nach Florida.
1957 begann er als DJ (Schallplatten-Aufleger) bei dem Radiosender „WAHR“ in Miami Beach zu arbeiten.
Larry King, der ein halbes Jahrhundert lang in Radio und Fernsehen mit Präsidenten und Hellsehern, Filmstars und Übeltätern – mit jedem, der eine Geschichte zu erzählen oder einen Vorschlag zu machen hatte – plauderte, darunter 25 Jahre lang als Moderator der weltweit beliebten CNN-Sendung „Larry King Live“, starb am Samstag in Los Angeles. Er wurde 87 Jahre alt.
Ora Media, die Herr King im Jahr 2012 mitbegründete, bestätigte den Tod in einer Erklärung auf Herrn Kings eigenen Twitter-Account gepostet und sagte, er sei im Cedars-Sinai Medical Center gestorben.
Die Erklärung gab keine Todesursache an, aber Herr King war vor kurzem für Covid-19 behandelt worden. Im Jahr 2019 wurde er wegen Schmerzen in der Brust ins Krankenhaus eingeliefert und sagte, er habe auch einen Schlaganfall erlitten.
Der Sohn europäischer Einwanderer, der in Brooklyn aufwuchs und nie ein College besuchte, begann in den 1950er und 60er Jahren als lokaler Radiointerviewer und Sportmoderator in Florida, wurde ab 1978 mit einer nächtlichen Radio-Call-in-Show von Küste zu Küste bekannt und moderierte von 1985 bis 2010 die am längsten laufende CNN-Sendung mit den höchsten Einschaltquoten, mit der er Millionen von Menschen in Amerika und der ganzen Welt erreichte.
Mit der volkstümlichen Persönlichkeit eines Bensonhurst-Schwätzers interviewte Mr. King schätzungsweise 50.000 Menschen mit allen erdenklichen Überzeugungen und Berühmtheitsansprüchen – jeden Präsidenten seit Richard M. Nixon, Staatsoberhäupter, Könige, religiöse und wirtschaftliche Persönlichkeiten, Verbrechens- und Katastrophenopfer, Experten, Schwindler, „Experten“ für UFOs und paranormale Phänomene sowie unzählige eigenwillige und schlaflose Telefonanrufer.
Mr. King hätte einen faszinierenden Gast in seiner eigenen Show abgeben können: der Lieferjunge, der zu einer der berühmtesten Fernseh- und Radiopersönlichkeiten Amerikas wurde, ein Zeitungskolumnist, der auch Autor zahlreicher Bücher und ein Darsteller in Dutzenden von Filmen und Fernsehshows war, meist als er selbst.
Sein Privatleben war der Stoff, aus dem die Boulevardblätter sind – acht Mal mit sieben Frauen verheiratet; ein chronischer Spieler, der zweimal Konkurs anmeldete; verhaftet wegen einer Betrugsanklage, die seine Karriere für Jahre zum Erliegen brachte; und ein Bündel von Widersprüchen, der nie ganz über seinen eigenen Erfolg hinwegkam, aber von anderen Berühmtheiten schwärmte und ausrief: „Großartig!“ „Fantastisch!“ „Menschenskind!“
Er erhob nicht den Anspruch, ein Journalist zu sein, obwohl seine Show manchmal für Schlagzeilen sorgte, wie zum Beispiel, als Ross Perot dort 1992 seine Präsidentschaftskandidatur ankündigte. Und er war nicht konfrontativ; er stellte selten jemandem, geschweige denn einem Politiker oder Entscheidungsträger, eine schwierige oder technische Frage und zog es vor, die Gäste mit sanften Stößen dazu zu bringen, interessante Dinge über sich selbst zu erzählen.
Zum ehemaligen Präsidenten Nixon: „Wenn Sie am Watergate vorbeifahren, haben Sie dann ein komisches Gefühl?“
An den ehemaligen Präsidenten Ronald Reagan: „Ist es für Sie frustrierend, sich an etwas nicht zu erinnern?“
An Donald J. Trump, als er noch vor allem als Immobilienmogul bekannt war: „Müssen es Gebäude sein?“
Er prahlte damit, dass er sich fast nie auf ein Interview vorbereitet. Wenn sein Gast ein Autor war, der ein Buch vorstellte, las er es nicht, sondern fragte einfach: „Worum geht es darin?“ oder „Warum haben Sie das geschrieben?“ Auch gab er sich nicht als Intellektueller aus. Er salzte seine Rede mit „ain’t“, und „the“ klang wie „da“. Für ein Publikum, das Experten skeptisch gegenübersteht, wirkte er erfrischend durchschnittlich: einfach ein neugieriger Typ, der impulsiv Fragen stellt.
„Es gibt viele Moderatoren, die drei Minuten lang Fakten rezitieren, bevor sie eine Frage stellen“, sagte er in seinen Memoiren „My Remarkable Journey“ (2009, mit Cal Fussman). „Als ob ich sagen wollte: Lasst mich euch zeigen, wie viel ich weiß. Ich finde, der Gast sollte der Experte sein.“
LOVE LETTER: Ihre wöchentliche Dosis echter Geschichten, die die Höhen, Tiefen und Nöte von Beziehungen beleuchten.
Politiker, verrückte Erfinder, Verschwörungstheoretiker und spirituelle Medien liebten seine Show, mit der sie ein großes Publikum erreichen konnten, ohne sich herausfordernden Fragen zu stellen. Mr. King nannte es „Infotainment“, und für Millionen von Amerikanern und etwa 130 Ländern auf der ganzen Welt war es eine reizvolle, wenn auch manchmal bizarre Mischung aus Information und Unterhaltung, die jeden Abend zur besten Sendezeit eine Stunde lang ausgestrahlt wurde.
Mr. King lebte in Beverly Hills, und seine Show wurde hauptsächlich aus den CNN-Studios in Los Angeles ausgestrahlt, manchmal aber auch aus New York oder Washington, wo er als Radiointerviewer für Mutual tätig war. Wie in seiner Zeit beim Radio nahm er Fragen und Kommentare von Anrufern entgegen, die oft unterbrochen werden mussten, weil sie zu wortreich waren oder Obszönitäten benutzten.
Mr. King hatte das, was ein Schriftsteller ein Gesicht nannte, das für das Radio gemacht war. Es war hager und knochig, mit einer markanten Nase, schütterem Haar, dünnen Lippen und wulstigen Augen hinter einer übergroßen schwarzgerahmten Brille. Er war hauchdünn, ein strikter Diätist seit einem Herzinfarkt 1987 und einer fünffachen Bypass-Operation. In seinem Markenzeichen, den Hemdsärmeln und Hosenträgern, stützte er sich in einem Stuhl auf die Ellbogen und blickte über einen Schreibtisch auf seine Gäste. Seine Stimme, ein raues Grollen, gab Ausbrüche von Respektlosigkeit und Humor von sich, aber seine Fragen waren normalerweise kurz und freundlich.
Die Themen waren alles Mögliche: Politik, Verbrechen, Religion, Sport, Wirtschaft, Nachrichtenereignisse wie O.J. Simpsons langwieriger Mordprozess von 1995, mit seinen endlosen Akteuren und Analysten. Aber er ging nur selten in die Tiefe und wurde von Kritikern beschuldigt, sich an Sensationen wie den Tod von Anna Nicole Smith und Michael Jackson zu klammern, indem er mit deren Vertrauten in Erinnerungen schwelgte.
Mainstream-Journalisten spotteten über seine magere Behandlung und seine Netter-Typ-Techniken. Aber sein Publikum und seine Sponsoren waren ihm treu.
Nach jahrzehntelangem Erfolg begann „Larry King Live“ jedoch seine hohen Einschaltquoten und A-Listen-Buchungen zu verlieren, da viele Zuschauer sich parteiischen Stimmen wie der liberalen Rachel Maddow von MSNBC und dem konservativen Sean Hannity von Fox zuwandten. Bis 2010 waren Kings Einschaltquoten auf einen Bruchteil seiner Spitzenjahre gesunken. Er trat im Dezember zurück, und CNN ersetzte ihn durch „Piers Morgan Tonight“.
Im Jahr 2012 wechselte Mr. King ins Internet mit einer Show, die von Ora.tv auf Ora TV, Hulu und RT (eine US-Version von Russia Today) gestreamt wurde. Die Show wurde „Larry King Now“ genannt. Aber es war kaum das Gleiche.
Larry King wurde am 19. November 1933 als Lawrence Harvey Zeiger in Brooklyn geboren, als zweiter Sohn von Edward und Jennie Gitlitz Zeiger, Einwanderern aus Österreich und Weißrussland. Ihr erster Sohn, Irwin, war schon früher gestorben. Ein jüngerer Bruder, Martin, wurde Anwalt. Mr. Kings Vater betrieb eine Bar und einen Grill, arbeitete aber nach Beginn des Zweiten Weltkriegs in einer Rüstungsfabrik. Er starb 1943 an einem Herzinfarkt und die Familie lebte von der Sozialhilfe, bis Mr. Kings Mutter eine Arbeit als Näherin in Manhattans Bekleidungsviertel fand.
Am Boden zerstört durch den Tod seines Vaters, vernachlässigte Lawrence, ein guter Schüler, der die dritte Klasse übersprungen hatte, das Lernen und hörte Radio – Spiele der Brooklyn Dodgers, „The Lone Ranger“, „The Shadow“ und Arthur Godfrey, den er verehrte. Er schloss die Lafayette High School 1951 mit knappem Erfolg ab.
Seine 1952 geschlossene Ehe mit Frada Miller wurde schnell annulliert. Später war er kurz mit Annette Kaye verheiratet; sie hatten einen Sohn, Larry Jr., von dem Mr. King erst 33 Jahre später erfuhr. Im Jahr 1961 heiratete er Alene Akins, die aus einer früheren Ehe einen Sohn, Andy, hatte, den Mr. King adoptierte; sie wurden 1963 geschieden.
Er und seine vierte Frau, Mickey Sutphin, wurden 1966 geschieden, nachdem sie eine Tochter, Kelly, hatten, die von ihrem späteren Ehemann adoptiert wurde. Im Jahr 1967 heiratete er erneut Frau Akins; sie bekamen eine Tochter, Chaia, und wurden 1972 geschieden. Im Jahr 1976 heiratete er Sharon Lepore; sie wurden geschieden.
Seine 1989 geschlossene Ehe mit Julia Alexander endete ebenfalls mit einer Scheidung. Im Jahr 1997 heiratete er Shawn Southwick; sie bekamen zwei Söhne, Chance und Cannon.
Zwei von Mr. Kings Kindern mit Ms. Akins, Andy und Chaia, starben beide im Jahr 2020. Neben seiner Frau und den beiden Söhnen hinterlässt er einen weiteren Sohn, Larry Jr. und eine Reihe von Enkelkindern und Urenkeln.
Nach der High School wollte er beim Radio arbeiten, war sich aber unsicher, wie er anfangen sollte. Vier Jahre lang war er ein Zusteller und Bote. Dann riet ihm ein CBS-Mitarbeiter, es in Florida zu versuchen, einem wachsenden Markt, in dem es offene Stellen beim Radio gab.
Mit 23 Jahren ging er nach Miami und wurde von einem kleinen Sender, WAHR, eingestellt, um Böden zu fegen und Besorgungen zu machen. Als ein Discjockey plötzlich kündigte, wurde er gebeten, die Sendung von 9 Uhr morgens bis zum Mittag zu übernehmen.
Minuten vor der Sendezeit am 1. Mai 1957 wurde auf Vorschlag des Senders der Name Lawrence Zeiger aufgegeben und Larry King (der Nachname stammt aus der Werbung eines Spirituosenhändlers) saß zum ersten Mal vor einem Live-Mikrofon.
„Ich war wie versteinert“, sagte er 1980 dem People-Magazin. „Die Titelmusik sollte verklingen, und ich sollte ein Voice-over machen. Aber jedes Mal, wenn die Musik verblasste, drehte ich sie wieder auf. Schließlich steckte der Manager des Senders seinen Kopf ins Studio und sagte: ‚Denken Sie daran, dies ist ein Kommunikationsgeschäft.‘ Ich ließ die Musik leiser werden und erzählte den Zuhörern, was gerade passiert war. Das waren meine ersten Worte im Radio.“
Larry King machte auch zwei Nachmittags-Nachrichtensendungen. Er war gut darin, und andere Sender bemerkten das. 1958 kam er zu WKAT und begann eine Morgensendung im Pumpernik’s, einem Restaurant in Miami Beach, in der er Gäste interviewte, um das Frühstücksgeschäft anzukurbeln. Zu seinen Gästen gehörten Don Rickles, Lenny Bruce, Jimmy Hoffa und Bobby Darin. Berühmtheiten schauten bald regelmäßig vorbei. Das Geschäft boomte.
„Ich fand heraus, dass ich die Fähigkeit besaß, Leute in einem Interview herauszulocken“, erinnerte sich Mr. King 1982 in seinen Memoiren, „Larry King by Larry King“, Niemals wissend, wer interviewt oder was gesagt werden würde, improvisierte er, und das wurde zu seinem Trick.
In den frühen 1960er Jahren machte er Late-Night-Radiointerviews auf WIOD, war Farbkommentator bei Footballspielen der Miami Dolphins und versuchte sich im Fernsehen mit einer Talkshow auf WLBW und einer Wochenendsendung auf WTVJ. Später schrieb er Kolumnen für The Miami Herald und The Miami News. Ella Fitzgerald und Ed Sullivan freundeten sich mit ihm an. Jackie Gleason wurde sein Mentor und verschaffte ihm ein Interview mit Frank Sinatra.
Aber während seine Karriere aufblühte, vervielfachten sich seine Probleme. Er gab verschwenderisch für Autos und Kleidung aus, verlor hoch bei Pferderennen und geriet mit seinen Steuern in Rückstand. Trotz eines hohen Einkommens stürzte er in die Schulden. 1960 meldete er Konkurs an. 1971 wurde er angeklagt, einen ehemaligen Geschäftspartner um 5.000 Dollar betrogen zu haben und verlor seine Jobs beim Rundfunk und bei der Zeitung. Die Anklage wurde 1972 fallen gelassen. Aber mit seinem beschädigten Ruf konnte er keine Arbeit finden.
In den nächsten Jahren versuchte er, seine Karriere mit freiberuflichen Schreib- und Radiojobs an der Westküste und Öffentlichkeitsarbeit auf einer Rennbahn in Louisiana wieder aufzubauen. Mitte der 70er Jahre, nachdem der Betrugsfall aufgeflogen war, wurde er von WIOD und als Dolphins-Kommentator und Kolumnist der Miami News wieder eingestellt. Mit 352.000 Dollar Schulden meldete er 1978 zum zweiten Mal Konkurs an.
Dieses Jahr war auch ein Neuanfang für Mr. King. Er wurde von Mutual als Nachfolger des kürzlich verstorbenen Long John Nebel als Gastgeber einer wöchentlichen Radio-Talkshow von Küste zu Küste für Nachtschwärmer und Frühaufsteher engagiert. Die „Larry King Show“ mit Interviews und Höreranrufen zog eine treue nationale Fangemeinde an, gewann 1982 einen Peabody Award, expandierte schließlich auf 500 Sender und lief bis 1994.
Ted Turner holte ihn 1985 zu CNN, und sein erster Gast war Gouverneur Mario M. Cuomo aus New York. Auf dem Höhepunkt seines Erfolges war Mr. King ein Medienwirbelwind. Er produzierte (mit verschiedenen Autoren) mehrere Memoiren, zwei Bücher über Herzkrankheiten und Bände über viele andere Themen, hatte Dutzende von Film- und Fernsehrollen, schrieb zwei Jahrzehnte lang Kolumnen für USA Today und wurde mit Auszeichnungen, Ehrentiteln und der Bewunderung von Fans überhäuft.
Das Herzstück seiner Karriere, „Larry King Live“, wurde zur einschaltquotenstärksten Talkshow im Fernsehen und zur größten Erfolgsgeschichte von CNN. Für die letzte Sendung am 16. Dezember 2010 versammelte er eine ganze Galaxie von Stars um sich, darunter auch Präsident Barack Obama auf einer Aufzeichnung, um dem King Tribut zu zollen.“
Der NYT.com Autor obigen Nachrufes ist Robert D. McFadden, leitender Autor in der Abteilung für Nachrufe und Gewinner des Pulitzer-Preises 1996.
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Dietmar Moews meint: Typisch für den Live-TV-Interviewer Larry King im kommerziellen Kabel-Sender CNN, war die Art der Kleidung, die breiten Hosenträger, die er während seiner Sendungen zu tragen pflegte und die ihm einen hohen Wiedererkennungswert verschaffte: Rahmenbrille, Hemd, Krawatte und Hosenträger.
Seine Interview-Technik stellte Fragen, als seien die vorzustellenden Gesprächspartner völlig unbekannt. Fernsehzuschauer konnten wie bei einem voraussetzungsloses Gespräch miterleben, mit Fragen wie
Name, wie gehts, ob, wie, was wollen sie, warum haben sie?
Darin liegt die soziologische Klugheit, wie ein heterogenes Publikum einsteigen und folgen kann, ohne dass Wissensvoraussetzungen eine Publikums-Exklusivität herstellen würde.
Larry King trat nur selten mit persönlichen Bewertungen hervor, selbst fragwürdige Auftritte rahmte Larry King lediglich mit Fragen ein. Mit seinem Stil wurde Larry King in der westlichen Fernsehwelt stilbildendes Vorbild für alle interviewenden und quatschenden Moderatoren, auch in Deutschland, von Harald Schmidt bis Stefan Raab oder Johannes Kerner, eben abseits von seriösem professionellem Journalismus in der harten politischen Informationswelt.
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Trini Lopez wurde als Trinidad López III am 15. Mai 1937 in Dallas, Texas geboren und ist jetzt 83-jährig, am 11. August 2020 in Palm Springs, Kalifornien an Covid-19 gestorben. Trini Lopez‘ Musik ist eine ewige Legende – er war ein US-amerikanischer Pop-Sänger, Gitarrist und Schauspieler. Singing Star Who Mixed Musical Styles: jeder kennt die smash Hits IF I HAD A HAMMER, A-Me-Ri-CA und LA BAMBA. Mr. Lopez’s version of “If I Had a Hammer” shot to No. 1 in 36 countries and sold more than a million copies.
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Trini Lopez war nie verheiratet und hat keine Kinder, er sagte: “I’ve always been a loner,” nähere Informationen von Hinterbliebenen waren nicht verfügbar. Ein langjähriger Freund und Kollege, Joe Chavira, sagte, Trini Lopez sei am Dienstag im Hospital Rancho Mirage, Calif. an Komplikationen mit Covid-19 gestorben.
His blend of American folk, Latin and rockabilly music captivated listeners worldwide. His secret: arrangements that people could dance to. Später wurde die Live-Partystimmung auf den Studiosongs mit ebenfalls Welterfolgen von dem deutschen Bandleader James Last kopiert.
Lopez‘ Eltern stammten aus Mexico, ließen sich aber nach ihrer Heirat im texanischen Dallas nieder. Dort wuchs Lopez mit vier Schwestern in ärmlichen Verhältnissen auf. Er besuchte in Dallas die Grundschule und die N. R. Crozier Tech High-School. Da er seine Eltern finanziell unterstützen musste, brach er die High-School vorzeitig ab. Sein Vater, der als Sänger und Schauspieler gearbeitet hatte, brachte seinem Sohn das Gitarrespielen bei. Nach einer Zeit als Straßenmusikant gründete Lopez eine eigene Band und begann, in Clubs zunächst in Texas und später darüber hinaus als Sänger aufzutreten.
His first band, the Big Beats, performed at the upscale Cipango Club in Dallas. Mr. Lopez later attributed his drive to succeed in part to the prejudice he had endured growing up. “My problem was always being a Mexican in America,” he told the website For Elvis CD Collectors in 2008. “In Texas, we were treated worse than the Blacks. But I had big dreams.”
Mr. Lopez met Buddy Holly, a fellow Texan, in 1958 through local gigs. Holly recommended him to his producer, Norman Petty.“
1958 schrieb Lopez sich einen eigenen Song mit dem Titel The Right to Rock, den er bei der kleinen Plattenfirma Volk veröffentlichte. Er erregte damit die Aufmerksamkeit des Labels King Records aus Cincinatti, Ohio, das ihm einen dreijährigen Plattenvertrag anbot. Trini Lopez nahm zunächst vorrangig Coverversionen alter Countrysongs auf, die wenig Erfolg brachten. Erst der Wechsel zur Plattenfirma Reprise Records und dem Produzent Don Costa brachte Lopez 1963 mit dem von Pete Seeger geschriebenen Lied If I had a Hammer den Durchbruch. Der Titel erreichte in den Hot 100 des US-Musikmagazins Billboard den dritten Platz, die Single wurde weltweit vier Millionen Mal verkauft. Er wurde auch auf der Langspielplatte Trini Lopez at PJ’s veröffentlicht. Es wurde Lopez‘ erfolgreichstes Album mit Platz zwei in den US-Top 200. Bis 1968 konnte sich Lopez mit insgesamt 13 Titeln in den Hot 100 platzieren. Auch die Hitlisten in Großbritannien (5) und Deutschland (9) verzeichneten mehrere Trini-Lopez-Titel. Lopez‘ große Popularität in Deutschland veranlasste das deutsche Label, Ariola, 1965 auch zwei deutschsprachige Singles herauszubringen. Mit dem Titel Lebe wohl, Daisy Girl kam Lopez auf Platz 39 der Musikmarkt-Charts. Bis 1970, als er bei Reprise seine letzte Single veröffentlichte, hatte Lopez etwa 50 Singles besungen und über 20 Langspielplatten herausgebracht.
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Not only a singer, Mr. Lopez was an accomplished guitar player, leading the Gibson Guitar Corporation in 1964 to invite him to design two instruments, both of which became collector’s items. Decades later, star guitarists like Dave Grohl of Foo Fighters and Noel Gallagher of Oasis employed vintage versions of those instruments.
Several years later, after Holly, Richie Valens and J. P. Richardson, better known as the Big Bopper, died in a plane crash, a Liberty Records producer, Snuff Garrett, contacted Mr. Lopez about possibly replacing Holly as the new frontman of the Crickets. But meetings and auditions never panned out.
Mr. Lopez’s pivotal break came after he landed a steady gig with his trio at P.J.’s, a hangout for stars like Frank Sinatra and Steve McQueen. After catching his show several times, Sinatra sent Don Costa, the key producer for his record label, Reprise, to sign him.
Inspired by the energy of the shows, Mr. Costa had the notion to make Mr. Lopez’s first album a live work. Mr. Lopez punctuated many of his songs with joyous hoots and trills drawn from Mexican folk, emphasizing his ethnic heritage at a time when many Latin performers kept theirs hidden.
“By Popular Demand: More Trini Lopez at PJ’s.” One of its tracks was a cover of the Jerry Leiber-Mike Stoller song “Kansas City,” which went to No. 23 on Billboard’s pop chart.
He soon became a big draw on the Las Vegas circuit as well as in theaters and clubs around the world.
Mr. Lopez found his way into television in 1969, starring in a variety show special for NBC using the surf-rock group the Ventures as his backing band. The show also produced a soundtrack, “The Trini Lopez Show.”
Zum Ende der 1960er Jahre begann Lopez als Schauspieler eine neue Karriere. Nach ersten Rollen in TV-Serien verhalf ihm sein Sängerkollege, Schauspieler und Inhaber der Plattenfirma Reprise Frank Sinatra zum Einstieg in das Filmgeschäft. Gemeinsam mit Sinatra gab Lopez sein Filmdebüt in Marriage on the Rocks. Seine erste Hauptrolle erhielt er 1973 in dem Film Antonio.
By then he had branched out into acting, with limited success. His first role, in the 1965 film „Marriage on the Rocks“ – a comedy with Sinatra and Deborah Kerr, was a cameo in a nightclub, though a song he performed on the soundtrack, “Sinner Man,” reached No. 12 on Billboard’s adult contemporary chart.
He also appeared in the hit 1967 movie “The Dirty Dozen,” in a role that was meant to be large but that got cut down after Mr. Lopez left the shoot before it ended, frustrated by production delays. He had the lead role in “Antonio,” a 1973 movie about a poor Chilean potter who befriends a rich American (Larry Hagman) passing through his village.
Mr. Lopez continued to record albums through 2011, with the “Into the Future” album, for which he paid back Sinatra for his early break by covering songs associated with him.
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Von all seinen Erfolgen als internationaler Headliner mit besonderem Stolz bewertete Trini Lopez im Rückblick, dass er für einen besonderen Konzertauftritt im Jahr 1964 als Top-Act im namhaften Olympic Theater Paris, die Plakate gemeinsam mit den Beatles teilte, kurz vor ihrem amerikanischen Debut.
“I used to steal the show from them every night!,” he told The Classic Rock Music Report. “The French newspapers would say, ‘Bravo, Trini Lopez! Who are the Beatles?’”
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“I’m proud to be a Mexicano,” he told The Seattle Times in 2017.
Seine öffentlichen Auftritte im Showgeschäft setzt Lopez auch noch zu Beginn des 21. Jahrhunderts mit großem Erfolg fort. Im Jahr 2000 schloss er mit Sony International Records einen Zweijahresvertrag über die Produktion mehrerer Compact Discs ab.
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Trini Lopez starb nun im August 2020, im Alter von 83 Jahren, an den Folgen von COVID 19.
Dietmar Moews meint: If I had a hammer – das war das erste Lied, das ich als 12-Jähriger christlicher Pfadfinder inmitten meiner scharenweise erstgitarrenspielenden Mitpfadfindern spielen konnte. Wir hatten gute Laune, während die Fingerkuppen brannten. Dazu kam gleich La Bamba – ein beliebter Teenager-Tanz – auch als Polonäse (noch ohne Blankenese). Das schöne Lied America wussten wir leider nicht zu spielen. Dass es von Leonard Bernstein aus West Side Story ist, wussten wir auch nicht. Die Erleuchtung wurde dann bald, dass La Bamba von den Beatles als Twist and Shout gespielt wurde – ein Song, den beinahe alle britischen Bands 1963 in ihrem Repertoire hatten – keiner so begeisternd wie die Beatles. Dagegen ist Trini Lopez‘ La Bambe ebenfalls outstanding.
Norbert Sebastian Blüm wurde am 21. Juli 1935 in Rüsselsheim, Hessen, geboren und ist jetzt 84-jährig in Bonn gestorben. Norbert Blüm war ein verdienter CDU-Bundes-Parteipolitiker und von 1982 bis 1998 Bundesminister für Arbeit und Soziales. Blüm starb infolge einer Blutvergiftung im Vorjahr und den akuten Schlaganfallwirkungen.
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Norbert Blüm hinterlässt Ehefrau und Familie.
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Ich möchte diesen Kurznachruf auf zwei Hauptaspekte begrenzen:
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EINS Norbert Blüm war ein herausragend verdienter und verlässlicher deutscher Berufspolitiker, mit theologischer und philosophischer Bildung. Blüms „die Rente ist sicher“-Diktum hat eine Umlage-Rentenfinanzierung vertreten, die vor wirtschaftspolitischen Schwankungen schützt.
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ZWEI Norbert Blüm kann auch weiterhin als ein Orientierungsbeispiel aus der ersten Bundesrepublik Deutschland für die Beitrittsdeutschen der ehemaligen DDR genutzt werden, die diese erste Bundesrepublik, vor 1990, nicht kennengelernt haben, sondern sich in den solipsistischen Fallen der zweiten Bundesrepublik nach 1990 völlig verirren.
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Es war auch Verdienst des CDU-Bundeskanzlers Helmut Kohl, diesen Bonner Norbert Blüm im Jahr 1982 zum Bundessozialminister in sein erstes Kabinett zu bestellen und ihn bis zur eigenen Demission, im Jahr 1998, jeweils bei jeder Regierungsneubildung neu zu berufen.
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Martin Hermann Böttcher wurde am 17. Juni 1927 in Berlin geboren und ist jetzt 91-jährig, am 20. April 2019, nahe Rendsburg in Schleswig-Holstein gestorben. Böttcher war Musiker als Gitarrist, Film- später auch Fernsehspiele-Komponist, Dirigent und Arrangeur, besonders bekannt durch seine Musik für Arthur Brauners Karl-May-Verfilmungen, insbesondere die „Winnetou-Melodie“.
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Martin Böttcher hinterließ Frau Anneliese (86). Die Böttchers waren 64 Jahre verheiratet, hatten zwei Töchter. Betsy (61) und Schwester Rebecca starb 1991 mit 26 an Leukämie.
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Pseudonyme: Michael Thomas, Renardo, Böttcher verfasste in einem Zeitraum von über 60 Jahren die Musik zu mehr als 50 Kinofilmen und 300 Fernsehproduktionen (Anm. DM verschiedene Quellen). Große Bekanntheit und Charterfolge erlangte Böttcher in den 1960er-Jahren durch seine Musik zu den Karl-May-Verfilmungen.
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Martin Böttcher war Urenkel eines Weimarer Hofkapellmeister und erwarb schon früh durch Klavierunterricht musikalische Kenntnisse. Zunächst wollte er indes Pilot werden. Knapp 17 Jahre alt, wurde er im Krieg bei der Luftwaffe ausgebildet. Zu einem Einsatz kam es aber aus Mangel an Treibstoff nicht mehr. Während der Kriegsgefangenschaft gelang es Böttcher, eine Gitarre zu organisieren und autodidaktisch das Gitarrenspiel zu erlernen. Wegen eines Unfalls mit Schädelbasisbruch und Gehörnerv-Quetschung war Martin Böttcher auf dem linken Ohr taub.
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Bis in die renommiertesten deutschen Bigbands spielte Martin Böttcher Gitarre – unter Alfred Hause und Franz Thon im von Willi Steiner neu formierten Tanz- und Unterhaltungsorchester des damaligen Nordwestdeutschen Rundfunks, das selbst im Big-Band-verwöhnten England mit Hochachtung erwähnt wurde. Nebenbei eignete sich Böttcher sein musikalisches Rüstzeug bei Generalmusikdirektor Richard Richter und auf dem Gebiet der U-Musik bei Kurt Wege an. Auch spielte er in den kleinen Besetzungen von Kurt Wege und Günter Fuhlisch, bei Benny de Weile und Helmut Zacharias.
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Dank Produzent Artur Brauner debütierte Böttcher 1955 mit der Musik zur Militärsatire Der Hauptmann und sein Held. Seine zweite Filmmusik schrieb er zu einem Meilenstein des deutschen Films der Nachkriegszeit: Die Halbstarken (1956) von Georg Tressler, in der Hauptrolle Horst Buchholz. Es spielte seine eigens hierfür gegründete Formation Mister Martin’s Band, in der Musiker wie der Klarinettist Fatty George, der Vibraphonist Bill Grah, der Posaunist Ernst Mosch und, noch als „Hans Last“, der Bassist James Last mitwirkten.
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Für Hans Albers schrieb Martin Böttcher drei Lieder in 13 kleine Esel und der Sonnenhof (1958), ebenso die Musik für Heinz Rühmanns Pater Brown -Filme Das schwarze Schaf und Er kann’s nicht lassen. In Max, der Taschendieb fand die zuvor unter dem Pseudonym „Michael Thomas“ geschriebene und nach kurzer Zeit weltberühmt gewordene Melodie Hawaii Tattoo Verwendung, die später auch in die amerikanischen Billboard-Charts aufstieg.
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Daneben schrieb Böttcher Chansons für Francoise Hardy, Romy Schneider, Peggy March, Elisabeth Flickenschildt und andere.
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Unter namhaften Projekten komponierte Böttcher zu 13 Teilen der Serie Es muss nicht immer Kaviar sein mit Siegfried Rauch, 1994 zu 26 Teilen der Serie Air Albatross oder für diverse Episoden von Der Alte und Derrick, z. B. die Salzburg-Melodie aus der Derrick-Episode Ein Koffer aus Salzburg von 1975. Böttcher komponierte seither regelmäßig für Fernsehserien, zuletzt für Pfarrer Braun mit Ottfried Fischer. Insgesamt schrieb Böttcher die Musik zu 56 Spielfilmen und rund 400 Fernsehspielen und -serien.
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Die Original Soundtracks wurden in den 1960er-Jahren bei Polydor herausgegeben und kosteten jeweils ein Heidentaschengeld. Jetzt gibt es die originalen fünf Polydor-LPs zu einem Bruchteil des Betrages, ohne Knistern und digital remastered auf drei CDs bei Universal.
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Die große „Karl May Soundtrack-Box“ mit dem Orchester Martin Böttcher enthält die Titel:
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Winnetou 1. Teil / Der Schatz im Silbersee (1963) im originalen MONO-Sound (da gibt’s leider nix anderes, seufz)
Unter Geiern / Winnetou 2. Teil (1964) Stereo
Der Ölprinz / Winnetou 3. Teil (1965) Stereo
Winnetou und das Halbblut Apanatschi / Old Surehand (1966) Stereo und
Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten (1969) Stereo
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Martin Böttcher erhielt eine enorme Anerkennung durch Ehrungen und Orden.
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Okwui Enwezor wurde am 23. Oktober 1963 in Calabar, Nigeria, geboren und ist jetzt 55-jährig, am 15. März 2019 daselbst gestorben. Seine afrikanische Muttersprache war Igbo. Okwui Enwezor war als Prototyp der deutschen SALONPERSONNAGE, mit internationalen Bezügen, beliebig in den alles durchziehenden Kunstbetrieb als Pseudo-Künstler und Funktionär einzusetzen und auszutauschen – quasi ein geheimer Rat. Er musste nach etwa ein Jahr lang fortschreitender Krebserkrankung jetzt sterben.
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Diese Praxis, in das deutsche Betriebspersonal nicht Parteigänger zu plazieren, sondern internationales Personal, dass mit wundervollen Verbindungen und beruflichen Qualifikationen blenden.
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Bezeichnend ist der Nachruf auf Enwezor in der FAZ, wo NIKLAS MAAK behauptet:
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„Eine ganz neue Perspektive auf uns selbst. Wenige haben den Blick auf die Kunstgeschichte so verändert wie er: Zum Tod des Kurators, Documenta-Leiters Okwui Enwezor“.
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Enwezor ließ zur Biennale in Venedig den gesamten Augenstaub von dem karlmarxianischen „Das Kapital“ Seite für Seite vorlesen – hatte das Buch aber selbst nicht gelesen. Und er hat sich diesen endlosen Vorlesungen selbst auch nicht unterworfen. Eine Folge hat dieser Quatsch natürlich nicht gezeitigt. Folgenlos – das ist der „veränderte Blick“.
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Er hat also keinen Beitrag zur Kunstgeschichte geleistet, sondern meinen und deinen Blick auf die Kunstgeschichte verändert. Das wüsste ich aber.
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Neben Biennale Venedig, Documenta (Deutschland / Hessen / Kassel) und Haus der Kunst München, ferner weitere Kommissionstätigkeiten in Uganda, in Sevilla, Dakar usw. überall, wo diese Salonpersonnage in engen Bezügen zum Westkunstmarkt der Agenten, Auktionäre, Geldwäscher und Händler, ihre Interessen kommunizieren.
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Es gibt keine Kunst und keinen einzigen Künstler, die oder den Enwezor diesem staatlich allokatierten Wanderzirkus hinzugefügt oder entdeckt hätte.
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Alle, die in dieser Salonpersonnage ihren Platz haben, schreiben jetzt Nachruf-Elogen – doch stets ohne Argumente, die für Kunst etwas gelten könnten. Wie gesagt, Enwezor hat lediglich den Blick verändert, indem er Alles Mögliche an relevanten Künstlern ausgeschlossen hat.
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Ich finde seine schlechten Arbeitsproben im Münchner Haus der Kunst hier nicht genauer bemerkenswert – dass es Konkurrenten gab, die Enwezor als Kunstfachmann nicht beachtlich fanden.
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Jacques Loussier wurde am 26. Oktober 1934 in Angers geboren und ist jetzt 84-jährig, am 5. März 2019, daselbst gestorben. Loussier war ein französischer Pianist und Arrangeur. Loussier war der Erfinder von Play Bach, um Bachtonsätze herum Jazz improvisativ live zu spielen.
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Ab dem Alter von zehn Jahren nahm Loussier Klavierunterricht. Stundenlang spielte er ein Präludium aus dem Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach – „und dann ist es passiert; ich habe kleine Änderungen ausprobiert, das Thema umspielt“. Diese Eigenart sowie die große Liebe zu Bach behielt Jacques Loussier auch bei, als er seine Geburtsstadt Angers verließ, um am Pariser Konservatorium bei Yves Nat zu studieren.
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Bekannt wurde er mit seinen verjazzten Interpretationen von Werken Johann Sebastian Bachs. Auf diese ungewöhnliche Kombination war Loussier 1959 während seines Studiums gestoßen und gründete dazu mit dem Bassisten Pierre Michelot und dem Schlagzeuger Christian Garros das Play Bach Trio. Schnell entstanden fünf Schallplattenalben, die sich allein bis 1999 sechs Millionen Mal verkauften.
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In den mehr als 50 Jahren seiner Karriere hat sich Jacques Loussier auch noch vielen anderen Komponisten unterschiedlicher Epochen im swingenden Stil gewidmet. Vivaldi, Händel, Beethoven, Chopin und Schumann, Debussy, Ravel und auch Eric Satie hat er interpretiert.
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Loussier komponierte auch für über 67 Filme und Serien den Soundtrack, unter anderem die Titelmusik für die populäre französische Serie Thierry la Fronde und die Musik für den britischen Kriegsfilm Katanga(1968).
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Am 5. März 2019 ist Jacques Loussier mit 84 Jahren gestorben.
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Werner Schneyder wurde am 25. Januar 1937 in Graz, Österreich, geboren und ist jetzt 82-jährig, am 2. März 2019, in Wien gestorben. Er war ein österreichischer Kabarettist, Autor, Schauspieler, Regisseur, Boxkampfrichter, Sportkommentator und Moderator des ZDF-Aktuelles Sportstudio. Schneyder starb am 2. März 2019 in seiner Wohnung in Wien.
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Werner Schneyder lebte in Wien und am Millstätter See in Kärnten. Erschütternd war für Schneyder der Krebstod seiner ersten Frau Ilse. Deren Leidensweg erzählte er 2008 im Buch „Krebs. Eine Nacherzählung“ auf drastische Weise. Das Buch geriet zur Anklage gegen die ärztliche Kunst. Die könne auch als Folter begriffen werden, meinte Schneyder. Sein Sohn Achim ist Autor und Journalist.
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Werner Schneyders Vater stammte aus Wien, die Mutter aus Karlsbad. Er wuchs in Klagenfurt „zwischen Fußballplatz und Stadttheater“ auf, studierte in Wien Publizistik und Kunstgeschichte. Daneben arbeitete er – wie schon zur Schulzeit – als Journalist und Barsänger. Nach der zeitungswissenschaftlichen Promotion schrieb er drei Jahre lang Werbetexte. Über die Annahme eines Theaterstücks wurde er als Dramaturg an das Landestheater Salzburg engagiert. Nach einem Jahr in Linz entschloss er sich zur Existenz als freier Autor. Er schrieb für den Hörfunk Features und Hörspiele, war auch deren Regisseur, schrieb Theaterkritiken und politische Tagesgedichte für Zeitungen.
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Werner Schneyder erhielt u. a. folgende PREISE, die auch annahm: den Johann-Nestroy-Ring“ der Stadt Wien (1981), den „Mostdipf-Preis“ (1983), den „Deutschen Kabarettpreis“, den „Bayerischen Kabarettpreis“ (Ehrenpreis, 2008), den „Stern der Satire des deutschen Kabarettarchivs“ (2008), den „Salzburger Lebensstier“ (2010), das „Große Verdienstzeichen“, den „Goldenen Rathausmann“, das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst I. Klasse (2012) und das Große Ehrenzeichen des Landes Kärnten (2017).
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Veröffentlicht von dietmarmoews 
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