Robert Frank 1924 – 2019 Kurznachruf

Lichtgeschwindigkeit 9532

am Mittwoch, 11. September 2019

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Robert Frank wurde am 9. November 1924 in Zürich, Schweiz, geboren und ist jetzt 94-jährig, am 9. September 2019 in Inverness, Nova Scotia, Kanada, gestorben. Frank war ein einflussreicher schweizerisch-US-amerikanischer Fotograf, Filmregisseur und Kameramann.

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Frank heiratete in erster Ehe die Tänzerin und Künstlerin Mary Lockspeiser, mit der er zwei Kinder hatte; er verließ sie 1969. Eine zweite Ehe schloss er 1975 mit der Bildhauerin June Leaf, einer Freundin von Mary; das Paar siedelte sich bereits 1971 in Mabou auf der Kap-Breton-Insel in der kanadischen Provinz Nova Scotia an. Ab 1972 widmete er sich auch wieder der Fotografie. Die Auflösung seiner Ehe mit Maria im Jahr 1969 fiel mit „Conversations in Vermont“ zusammen, dem Film, den er über seine Kinder Andrea und Pablo drehte. Im nächsten Jahr kaufte er ein Fischerhaus in Mabou, Neuschottland, mit der Künstlerin June Leaf, die er 1975 heiratete und die seine einzige Überlebende ist. 1974 kam seine Tochter Andrea mit 20 Jahren bei einem Flugzeugabsturz in Guatemala ums Leben. Sein Sohn Pablo brachte sich 1994 nach mehreren Jahren Erkrankung an Schizophrenie als auch an Krebs in einem psychiatrischen Krankenhaus um. 1995 gründete Robert Frank die Andrea Frank Foundation, um Künstler zu unterstützen. Frank lebte abwechselnd in Mabou (Nova Scotia) und in New York City.

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Robert Frank, dessen visuell roher und persönlich expressiver Stil, der ihn zu einem der einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts machte, war entscheidend für die Veränderung des Kurses der dokumentarischen Fotografie war, starb am Montag in Inverness, Neuschottland. Er war 94.

Sein Tod im Inverness Consolidated Memorial Hospital auf Cape Breton Island wurde von Peter MacGill bestätigt, dessen Pace-MacGill Gallery in Manhattan seit 1983 das Werk von Robert Frank repräsentiert. Mr. Frank, ein Bewohner Manhattans, hatte schon lange ein Sommerhaus in Mabou auf Cape Breton Island.

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Mit seinem Fotobuch The Americans (1958) revolutionierte Frank die Ästhetik des Fotobuchs, es zählt daher zu den einflussreichsten Fotobänden des 20. Jahrhunderts. Ein Jahr darauf erweiterte Frank diesen Stil auf Dokumentarfilme, was auch als der Beginn des „independent film“ gilt. Später folgten experimentelle Fotomontagen. Frank hat nach Juri Steiner „einen völlig eigenständigen, subjektiven und sozialkritischen Stil einer poetisch-dokumentarischen Fotografie entwickelt, die die Amerikaner als «snapshot aesthetic» bezeichnen.“

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Robert Frank wurde 1924 als Sohn des Innenarchitekten Hermann Frank aus Frankfurt und der Schweizerin Rosa Zucker aus Basel geboren. Der wegen seiner jüdischen Herkunft nach dem Reichsbürgergesetz staatenlos gewordene Vater beantragte 1941 für seine Söhne die Schweizer Staatsbürgerschaft, die Robert Frank aber erst 1945 erhielt. Er besuchte in Zürich von 1931 bis 1937 die Primarschule im Schulhaus Gabler und von 1937 bis 1940 die Sekundarschule im Schulhaus Lavater. 1940 absolvierte er ein Welschlandjahr am Institut Jomini in Payerne, von Januar 1941 bis März 1942 absolvierte er eine freie Ausbildung beim Fotografen und Grafiker Hermann Segesser in Zürich. Von August 1942 bis September 1944 war er zunächst Lehrling, danach Angestellter im Studio von Michael Wolgensinger in Zürich, von Dezember 1944 bis Juni 1945 Assistent von Victor Bouverat in Genf.

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Zwischen 1941 und 1947 arbeitete Robert Frank als Fotograf in Zürich und Genf und war unter anderem für die Standbilder in verschiedenen Schweizer Filmen zuständig. Anschließend reiste er nach New York, dort stellte er seine Fotomappe Alexei Brodowitsch vor, dem bekannten künstlerischen Leiter der Modezeitschrift Harpers Bazaar. Brodowitsch erkannte Franks Talent und stellte ihn im selben Jahr als Assistenzfotograf ein. Damit wurde Robert Frank zum Dreh- und Angelpunkt der Dokumentarfotografie in der westlichen Kulturindustrie

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Der in der Schweiz geborene Frank wanderte im Alter von 23 Jahren als künstlerischer Flüchtling vor den seiner Meinung nach engstirnigen Werten seiner Heimat nach New York aus. Bekannt wurde er vor allem durch sein bahnbrechendes Buch „The Americans“, ein Meisterwerk von Schwarz-Weiß-Fotografien, das von seinen Geländefahrten Mitte der 1950er Jahre stammt und 1959 veröffentlicht wurde.

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„The Americans“ stellte die präsidiale Formel des Mittelalters für den Fotojournalismus in Frage, definiert durch scharfe, gut beleuchtete, klassisch komponierte Bilder, sei es von der Kampffront, dem hauseigenen amerikanischen Kernland oder Filmstars in Ruhe. Franks Fotografien – von Einzelpersonen, Paaren im Teenageralter, Gruppen bei Beerdigungen und seltsamen Spuren des kulturellen Lebens – waren filmisch, sofort, ohne Filter und körnig, wie frühe Fernsehübertragungen dieser Zeit. Sie würden seinen Platz im Pantheon der Fotografie sichern. Die Kulturkritikerin Janet Malcolm nannte ihn das „Manet der neuen Fotografie“.

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Aber die Anerkennung erfolgte keineswegs sofort. Die Bilder galten zunächst als verzerrt, schmutzig, bitter. Das Magazin Popular Photography beschwerte sich über ihre „bedeutungslose Unschärfe, Getreide, schlammigen Expositionen, betrunkenen Horizonte und allgemeine Schlamperei“. Mr. Frank, sagte das Magazin, sei „ein freudloser Mann, der das Land seiner Adoption hasst“.

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Herr Frank war gekommen, um den amerikanischen Drang nach Konformität zu verabscheuen, und das Buch galt als Anklage gegen die amerikanische Gesellschaft, die die perfekte Vision des Landes und seinen luftigen Optimismus, der in Zeitschriften, Filmen und im Fernsehen verbreitet wurde, ablöste. Doch im Mittelpunkt seiner Sozialkritik stand eine romantische Idee, das Wahre und Gute an den Vereinigten Staaten zu finden und zu ehren.

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„Patriotismus, Optimismus und geschrumpftes Vorstadt-Leben waren die Regel des Tages“, schrieb Charlie LeDuff 2008 im Vanity Fair Magazine über Mr. Frank. „Der Mythos war damals wichtig. Und dann kommt Robert Frank, der haarige Homunkulus, der europäische Jude mit seinen 35 mm. Leica, macht Schnappschüsse von alten wütenden weißen Männern, jungen wütenden schwarzen Männern, schweren missbilligenden südlichen Damen, Indianern in Salons, er/sie in New Yorker Gassen, Entfremdung am Fließband, Trennung südlich der Mason-Dixon-Linie, Bitterkeit, Dissipation, Unzufriedenheit…“

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„Les Americains“, das 1958 erstmals in Frankreich von Robert Delpire veröffentlicht wurde, verwendete die Fotografien von Frank als Illustration für Essays französischer Schriftsteller. In der amerikanischen Ausgabe, die im nächsten Jahr bei Grove Press erschien, durften die Bilder ihre eigene Geschichte erzählen, ohne Text, da Herr Frank das Buch konzipiert hatte.

Erst nach Abschluss der in „The Americans“ aufgezeichneten Geländereisen traf Frank Jack Kerouac, der 1957 im Roman „On the Road“ über seine eigenen amerikanischen Reisen geschrieben hatte. Kerouac schrieb die Einführung in die amerikanische Ausgabe von Herrn Franks Buch.

„Dieses verrückte Gefühl in Amerika“, schrieb Kerouac, „wenn die Sonne heiß ist und Musik aus der Jukebox oder von einer nahegelegenen Beerdigung kommt, das ist es, was Robert Frank auf riesigen Fotos festgehalten hat, die er auf der Straße durch fast achtundvierzig Staaten in einem alten Gebrauchtwagen (auf der Guggenheim Fellowship) und mit Agilität, Geheimnis, Genie, Traurigkeit und seltsamer Geheimhaltung eines Schattens fotografiert hat, der noch nie zuvor auf einem Film zu sehen war.“

Zwanzig Jahre später sagte Gene Thornton, der in der New York Times schrieb, dass das Buch „mit Alexis de Tocquevilles „Demokratie in Amerika“ und Henry James“ „Die amerikanische Szene“ als eine der endgültigen Aussagen darüber, worum es in diesem Land geht“ eingestuft wurde –

Schnappschuss Ästhetik“: Mr. Frank war vielleicht der unwissentliche Vater dessen, was in den späten 1960er Jahren als „die Schnappschussästhetik“ bekannt wurde, ein persönlicher, spontaner Stil, der versuchte, das Aussehen und Gefühl der Spontaneität in einem authentischen Moment festzuhalten. Die Bilder hatten einen tiefen Einfluss darauf, wie sich Fotografen nicht nur ihren Motiven, sondern auch dem Bilderrahmen zu nähern begannen. Die Ästhetik von Herrn Frank – sowohl seine persönliche Erfahrung mit dem, was er fotografierte, als auch mit dem Thema – wurde weiter definiert und legitimiert.

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Den ehedem bewunderte Henri Cartier-Bresson, der 1947 das Fotokollektiv Magnum mitbegründete und dessen Fotografien den Standard für Generationen von Fotojournalisten setzen. Frank lehnte später Cartier-Bressons Werk ab und sagte, es sei alles, was an Fotojournalismus oberflächlich und unbedeutend sei. Er glaubte, dass der Fotojournalismus die Welt zu sehr vereinfacht und, wie er es ausdrückte, „diese verdammten Geschichten mit Anfang und Ende“ nachahmt. Er fühlte sich mehr zu den Gemälden von Edward Hopper hingezogen, bevor Hopper allgemein anerkannt wurde.

„So klar und so entschlossen“, sagte Frank 2015 Nicholas Dawidoff für ein Profil im New York Times Magazine. „Die menschliche Form in ihr. Du siehst zweimal hin – worauf wartet dieser Typ? Was schaut er sich an? Die Einfachheit, dass sich zwei gegenüberstehen. Ein Mann auf einem Stuhl.“

Nach den ersten Publikationen durch Brodovitch, dem legendären Art Director, der ihm Aufträge auf Harper’s Bazaar gab, kamen für Frank in den nächsten 10 Jahren Aufträge für Fortune, Life, Look, McCall’s, Vogue und Ladies Home Journal. Unruhig reiste er von 1949 bis 1952 nach London, Wales und Peru. Von jeder Reise sammelte er spiralförmig gebundene Bücher seiner Bilder und gab Kopien unter anderem an Brodovitch und Edward Steichen, damals Kameramann am Museum of Modern Art.

Walker Evans‘ Buch „American Photographs“, das in den 1950er Jahren noch nicht bekannt war, dürfte den größten Einfluss auf Franks wegweisendes Projekt „Americans“ gehabt haben. „Als ich mir zum ersten Mal Walker Evans‘ Fotos ansah“, schrieb er 1958 im U.S. Camera Annual, „dachte ich an etwas, was Malraux schrieb: „um das Schicksal in Bewusstsein zu verwandeln“. Es ist einem peinlich, so viel von sich selbst zu wollen.“ Evans, damals Bildredakteur bei Fortune, sowie Brodovitch und Steichen, schrieben Empfehlungen für Robert Frank, als er 1955 ein Guggenheim-Stipendium zur Finanzierung des Projekts beantragte. Mit zwei Kameras und Filmkisten in einem schwarzen Ford Business Coupe reiste er mehr als 10.000 Meilen und nahm nach seiner Zählung mehr als 27.000 Bilder auf, von denen er 83 für „The Americans“ auswählte.

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1949 lernte er die neun Jahre jüngere Künstlerin Mary Lockspeiser kennen und schenkte ihr auch ein handgefertigtes Fotobuch, das er in diesem Jahr in Paris aufgenommen hatte. Sie heirateten im folgenden Jahr und ließen sich in Manhattan, im East Village, im Herzen einer pulsierenden abstrakten expressionistischen Kunstszene nieder. (Sie ist jetzt bekannt als Mary Frank.)

Robert Frank erinnerte sich, wie er durch ein Fenster sah, Willem de Kooning, Pinsel in der Hand, sein Atelier in Unterwäsche. In der Cedar Tavern, einer legendären Nachbarschaftsbar, trinkt und streitet er mit den Künstlern dieser Zeit. Ihr Sohn, Pablo (benannt nach dem Cellisten Pablo Casals), wurde 1951 geboren, und seine Tochter Andrea 1954.

Dabei lebte Frank sporadisch, wenn auch widerwillig, von kaufmännischer Arbeit. Kurz vor der Veröffentlichung der amerikanischen Ausgabe von „The Americans“ beauftragte ihn Lou Silverstein, der damalige Art Director der Times, mit einer Fotoserie auf den Straßen von New York für eine Werbekampagne für die Zeitung „New York Is“. Die Bilder wurden später in einem schlanken gleichnamigen Werbebuch zusammengestellt, um potenzielle Werbetreibende anzuziehen. Bei aller kommerziellen Absicht offenbarten die Bilder für die Times jedoch eine Art Einsamkeit, ähnlich dem, was durch „The Americans“ läuft. Nachdem Silverstein 2011 gestorben war, schickte Robert Frank eine Notiz an seine Gedenkveranstaltung und ließ sie vorlesen: „Er gab mir sowohl moralische als auch finanzielle Unterstützung – und das machte mein Leben in New York City möglich“.

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Nach der Veröffentlichung von „The Americans“ verlagerten sich Franks künstlerische Energien auf den Film, und obwohl er weiterhin in Fotografie und Video arbeitete, würde er nie wieder die gleiche Anerkennung für seine Arbeit erreichen. MacGill, ein langjähriger Freund, stellte einmal fest, dass Robert Frank schließlich mehr als Filmemacher als als Fotograf in Erinnerung bleiben würde.

Sein erster Film, „Pull My Daisy“ (1959), ist ein Eckpfeiler des Avantgarde-Kinos. Hergestellt in Alfred Leslies Atelierloft im East Village, wurde es gemeinsam von Leslie geleitet, von Kerouac erzählt und unter anderem von Allen Ginsberg, Mary Frank, Gregory Corso, David Amram, Larry Rivers und Pablo, dem jungen Sohn von Robert Frank, dargestellt. Der 28-minütige Film, der von Kerouac aus seinem Stück „The Beat Generation“ übernommen wurde, folgt in körnigem Schwarz-Weiß den Possen einer fröhlichen Gruppe von Bohemiens, die unangekündigt auf einem Loft der Lower East Side auftauchen, wo ein Maler, die Frau eines Eisenbahnbrechers, einen angesehenen Läufer zum Abendessen eingeladen hat. Der Film wurde als Ausdruck der Beat-Philosophie der Improvisation und Spontaneität zum Kultobjekt, obwohl er, wie Leslie später enthüllte, geplant und geprobt wurde.

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1960 gründete Frank zusammen mit Jonas Mekas (der im Januar starb), Peter Bogdanovich und anderen unabhängigen Filmemachern die New American Cinema Group, im selben Jahr begann Frank mit den Dreharbeiten zu „The Sin of Jesus“, basierend auf einer Geschichte von Isaac Babel. Seinen ersten Langfilm drehte er 1965, „Me and My Brother“, über Julius Orlovsky, den Bruder von Peter, der Ginsbergs Liebhaber war. Mit diesem Film begann Herr Frank, die Grenze zwischen Dokumentarfilm und inszenierten Erzählszenen zu verwischen.

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In den frühen 1970er Jahren wurde Robert Frank mit der Fotografie für das Cover des Rolling Stones-Albums „Exile on Main Street“ beauftragt. Dann wurde er von der Band gebeten, einen Dokumentarfilm über die Konzerttournee 1972 zu drehen. Der Film zeigte nicht nur die Auftritte der Gruppe, sondern auch die Gewalt der Menge, den Drogenkonsum und die nackten Groupies. Es war nicht das, was die Stones im Sinn hatten. Die Band erhielt eine einstweilige Verfügung, die dem Ort und der Häufigkeit der Vorführung des Films Grenzen setzte.

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Im selben Jahr veröffentlichte Frank „Lines of My Hand“, ein Fotobuch, das er vor und nach „The Americans“ gemacht hatte. Seine Arbeit wurde autobiografischer, diaristischer. Die Fotografien in „The Americans“ sind zwar die anerkannteste Errungenschaft von Frank’s Karriere, können aber als Auftakt zu seinem anschließenden künstlerischen Werk gesehen werden, in dem er verschiedene Medien unter Verwendung mehrerer Einzelbilder erforschte, große Polaroidprints, Videobilder herstellte, mit Wörtern und Bildern experimentierte und Filme wie „Candy Mountain“ (1988), einen autobiographischen Straßenfilm unter der Regie von Rudy Wurlitzer, drehte und führte.

Dennoch sind es „The Americans“, die wahrscheinlich länger durchhalten werden als alles andere, was er getan hat. Im Jahr 2007 stimmte er zu, alle 83 Fotografien des Buches beim Pingyao International Photography Festival in China zu hängen, um das 50-jährige Bestehen des Buches zu feiern. Und 2009 veranstaltete die National Gallery of Art in Washington „Looking In: Robert Franks „The Americans““, eine umfassende und umfassende Retrospektive seines Meisterwerks, organisiert von Sarah Greenough. Die Ausstellung reiste zum San Francisco Museum of Modern Art und zum Metropolitan Museum of Art in New York. Frank räumte ein, dass er bei der Fotografie von Amerikanern die am wenigsten Privilegierten unter ihnen für die überzeugendsten hielt.

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„Meine Mutter fragte mich: „Warum machst du immer Fotos von armen Leuten?““ Frank antwortete Herrn Dawidoff im Times Magazine. „Das ist nicht wahr, aber mein Mitgefühl galt den Menschen, die kämpften. Da war auch mein Misstrauen gegenüber Leuten, die die Regeln gemacht haben.“

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